Ausstellung

Vitrine im Hentrichhaus

present is fragile

2. Juni – 25. August 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der neuen Installation in der Vitrine im Hentrichhaus am Dienstag, 2. Juni 2026, um 19 Uhr.

Die Vitrine wird in der Ausstellung present is fragile von Nadine Karl und Majo Caporaletti als liminaler Ort zwischen Vergangenheit und Zukunft sowie zwischen Realität und Fiktion verstanden. Einerseits ist sie ein Ort, an dem vergangene Erinnerungen der Künstlerinnen während ihrer gemeinsamen Zeit in der chilenischen Wüste gegenwärtig sind, da sie in den Werken nachhallen. Erinnerung wird so in der Gegenwart erfahrbar und für die Zukunft gespeichert, wie auch sonst in Vitrinen üblich, die kostbare Artefakte, häufig vergangener Generationen zeigen.

In Analogie zu solchen Fundstücken verweisen Karls im Sand liegende Glasobjekte auf die Verbindung von Objekt, Mensch und Natur. Andererseits wird die Vitrine als Ort inszeniert, welcher nicht genau definiert werden kann und zwischen dem Plausiblen und dem Traumhaften oszilliert, eine Schwelle markiert. In Caporalettis Malerei überlagern sich Szenen wie in einem (Alb-)Traum und erinnern daran wie nah Realität und das Imaginäre beieinander liegen.

Erinnerungen werden in der heutigen Zeit erst konstruiert und verändern sich so stetig. Und insbesondere das, was nicht nur individuell, sondern kollektiv gesellschaftlich erinnert werden soll, ist immer wieder in Bewegung: etwa durch eine politische Agenda, aktuell verfolgt von rechten Regierungen weltweit, die Vergangenes lieber Umdeuten möchten. Für die Künstlerinnen ist somit nicht nur die im Titel besagte Gegenwart, sondern auch die mit ihr verbundenen Zeitebenen Vergangenheit und Zukunft fragil.

Fragilität bedeutet, dass ein behutsamer Umgang und ein ständiges Beobachten Voraussetzung sind. Karl und Caporaletti heben diese Fragilität zum einen durch die verwendeten Materialien hervor. Zum anderen reflektieren sie Vergangenes als etwas Wertvolles, das jedoch nicht per se existiert, sondern um das sich, auch in der Gegenwart, gekümmert werden muss. Present is fragile verweist auf diese zeitlichen Bezüge und lässt die Zeitebenen in der Vitrine verschwimmen. Gleichzeitig appellieren die Künstlerinnen daran auf das Hier und Jetzt Acht zu geben, welches Vergangenheit beeinflusst und Zukunft formt.

Künstlerinnen:

Nadine Karl (*1990 in Freyung) erforscht in ihrer interdisziplinären Praxis Verflechtungen von Zeitlichkeit und Fiktion als emotionalen Raum. 2024 machte sie ihren Abschluss an der Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin bei Dominique Gonzalez-Foerster. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Für Majo Caporaletti (*1986 in Buenos Aires) ist ihre Malerei gleichzeitig Untersuchung und Entdeckung. Ihr Werk entsteht an der Schnittstelle zwischen ihrer inneren Welt und der sichtbaren Welt und bringt Bilder hervor, in denen sich das Reale mit dem Traumhaften vermischt. Ihren Abschluss machte sie an der Universidad Nacional de las Artes (UNA). Sie lebt und arbeitet in Buenos Aires, Argentinien.

Die Ausstellung wird gefördert von

Abb. Nadine Karl & Majo Caporaletti, present ist fragile, 2026 ©the artists, VG Bild-Kunst, Bonn 2026 für Nadine Karl

Rotunde im Hentrichhaus

the layers

12. Mai – 16. Juni 2026

Die Videoarbeit „the layers“, gezeigt im Hentrichhaus des Künstlerverein Malkasten, gewährt einen Einblick in die kontinentübergreifende Zusammenarbeit der beiden Künstlerinnen Nadine Karl und Majo Caporaletti in Vorbereitung ihrer kommenden Ausstellung in der Vitrine im Hentrichhaus, die am 2.6. eröffnet wird.

Ausschnitte aus den Konzeptions- und Vorbereitungsgesprächen, die aufgrund der räumlichen Distanz zwischen Deutschland und Argentinien ausschließlich in Form von Online-Live-Meetings stattfanden, laufen hier als 12-minütiger Videoloop. Sie sind überlagert von Aufnahmen aus der Atacama-Wüste, eine Landschaft, die beide während ihres Aufenthalts in der dortigen La Wakaya Current Residency stark geprägt hat. Das Video transportiert die unterschiedlichen Denkweisen und Lebensrealitäten aber auch gemeinsame Vorstellungen über Gesellschaft und Erfahrungen des Chile Aufenthaltes der Akteurinnen.

Deutlich werden in „the layers“ zudem konzeptuelle Gedanken zu Erinnerung und Zeitlichkeit; Themen, die auch in der kommenden Vitrinenausstellung eine Rolle spielen. Dass Vergangenheit eigentlich nichts hinter-uns-liegendes ist, sondern in der Gegenwart konstruiert wird, knüpft an das Konzept einer Zeitkapsel an, die verschiedene Zeitebenen verschwimmen lässt. So wie sich die Gedanken der Akteurinnen überlappen, sind die titelgebenden layers (dt. Ebenen) auch visuell im Video sehr präsent. Auf diese Weise vermittelt die Videoarbeit die Installation in der Vitrine zusätzlich und kündigt sie zugleich durch die zweiwöchige Vorlaufzeit an.

Text: Lilith Bitzer

Öffnungszeiten Hentrichhaus: Mo-So 12-21 Uhr

Abb. Nadine Karl und Majo Caporaletti, the layers, 4K, 12:09 Min (Videostill), ©the artists, VG Bild-Kunst, Bonn 2026 für Nadine Karl

Schaukasten & Fahnen auf dem Vorplatz

Core

14. April – 29. Juni 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der neuen Installation auf dem Vorplatz des Künstlerverein Malkasten am Dienstag, 14. April 2026, um 19 Uhr mit einer gemeinsamen Arbeit von Lena Wendlandt und Luca De Marco, die mit „Core“ den Schaukasten und die Fahnen bespielen.

SCHAUKASTEN
Labyrinth. Ein System aus Wegen, die sich verzweigen, in Sackgassen führen, sich kreuzen, ihre Richtung verändern. Ein Bild, mit welchem sich Lena Wendlandt und Luca De Marco in ihrer Zusammenarbeit befasst haben.

Gibt es nur den einen richtigen Weg? Oder gibt es mehrere mögliche Wege? Gehen wir diese Wege allein oder gemeinsam? Wie entstehen diese Wege? Sind die Wege vorgeschrieben? Oder bestimmen wir sie selbst als Teil der Gesellschaft? Welche Spuren hinterlässt unser Weg? Welche Form nehmen unsere Entscheidungen an?

Mit dieser Auseinandersetzung dieser gesellschaftlichen Fragestellungen haben sie zeichnerisch ein neues Labyrinth konzipiert, welches im Rahmen der Installation „CORE“ im Schaukasten gezeigt wird.

FAHNEN AUF DEM VORPLATZ
Lena Wendlandt und Luca De Marco hinterfragen in ihrer Arbeit „CORE” die Funktion und Symbolik der Fahne. Traditionell fungiert sie als ein Medium maximaler Sichtbarkeit. Als bewegliches Bild im öffentlichen Raum transportiert sie Zugehörigkeit, Abgrenzung, Identität und Ideologie.

In der vorliegenden Arbeit wird diese Funktion grundlegend unterlaufen. Die Künstler*innen nutzen die Fahne nicht als Bildträger im klassischen Sinne, sondern als Material. Das Bild bleibt präsent, ohne sich unmittelbar preiszugeben. Es entzieht sich einer klaren Lesbarkeit und verschiebt sich in einen Zustand zwischen Sichtbarkeit und Unzugänglichkeit. Im Zentrum steht dabei die Fragen:

Was ist tatsächlich sichtbar? Und was bleibt unsichtbar, obwohl es existiert?

Abb. Lena Wendlandt & Luca De Marco, Core, 2026, ©the Artists

Lido im Malkasten (Bar)

Kiss and Fly

31. März – 29. September 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung am Dienstag, 31. März 2026, um 19 Uhr.

Für seine Ausstellung mit dem Titel „Kiss and Fly“ in der „Lido im Malkasten (Bar)“ hat Paul Schwer ein besonderes Konzept erarbeitet. Es fasst die wichtigen Themen, mit denen er sich in seinem Werk auseinandersetzt, zusammen, und es spielt mit dem Namen des Ortes sowie mit den typischen Elementen der Bar.

Für Paul Schwer sind Farbe, Licht und Raum Grundelemente seines künstlerischen Denkens. Begonnen hat er als Maler: Er studierte Malerei an der Düsseldorfer Kunstakademie, allerdings in der Klasse des Bildhauers Erwin Herrich. Er ging vom klassischen Tafelbild aus und überführte es ins Dreidimensionale, schuf Installationen und trug so die Farbe in den Raum. Wie der ehemalige Direktor des Bonner Kunstmuseums, Stephan Berg, schreibt, hat Paul Schwer das „Bedürfnis, das Bild von der Leinwand, der Fläche, der Wand zu lösen und zu einer räumlich erlebbaren, begehbaren Erfahrung zu machen (das Bild also gewissermaßen welthaltiger zu machen)“.

Betritt man die „Lido im Malkasten (Bar)“, steht man einem großer Bartresen gegenüber und ist umgeben von dunkelblau gestrichenen Wänden. Der Raum wird nur indirekt beleuchtet. Paul Schwer platziert Leuchtkästen an den Wänden, die ebenfalls nicht gleichmäßig beleuchtet sind und zitiert damit die diffuse Lichtstimmung – und zugleich seine eigene Ausstellung im Rohbau eines Ladenlokals in der Shoppingmall des Düsseldorfer Flughafens 2024. Auf den Folien in den Leuchtkästen sind – wenn auch stark verpixelt – Motive von Badenden zu sehen, man kann einen Sonnenschirm identifizieren sowie Liegenstühle und zwei Personen, die sich küssen. Motive, bei denen man unwillkürlich an Sonne, Strand und Meer denken muss. An Cocktails an einer Bar in der Abendsonne, am Lido in Italien vielleicht? Für Paul Schwer ergab sich eine Assoziationskette, die keine anderen Werke für diese Ausstellung in Frage kommen ließen. Es sind Sehnsuchtsmotive. Es ist „Kiss and Fly“. Doch sind seine Leuchtkästen keine Reklametafeln für einen Pauschalurlaub. Ihre Korpusse sind roh belassen, bestehen aus U-Profilen aus dem Trockenbau. In sie eingesetzt sind Siebdrucke, die stark verpixelt sind, und transluzente Backlightfolien. Bei den „Bildern“ handelt es sich um austarierte Farbkompositionen, in denen sich Paul Schwer mit den Themen Farbe, Licht und Transparenz auseinandersetzt.

Ergänzt wird die Installation von Wandreliefs, die wirken, als ob ein Windstoß das Bild erfasst und mit dem Rahmen so verdreht hätte, als würde es wegfliegen.

Öffnungszeiten: Mo-Sa 12-23 Uhr, So 12-21 Uhr

Abb. Paul Schwer, Kiss and Fly, 2026, VG Bild-Kunst, Bonn 2026 für Paul Schwer

Vitrine im Hentrichhaus

BLASSE AUSSTELLUNGSGÄSTE IM BESTEN ALTER SEHEN SICH WEISSE ARTEFAKTE AN (WHITECUBE-EFFECT)

3. März – 26. Mai 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der neuen Installation in der Vitrine im Hentrichhaus am Dienstag, 3. März 2026, um 19 Uhr.

Mit der Installation in der Vitrine im Hentrichhaus zeigt Maxim von Schirach fünf Objekte: Ein Relief lehnt an der Wand, vier Objekte stehen auf dem Boden.
Das Relief erinnert an Schilder. Licht und Schatten bestimmen seine Wirkung, nicht alle Linien sind parallel. Wenn man davor steht, kann man sich fragen, von welcher Seite aus man es eigentlich betrachtet. Die Bodenarbeiten lassen an Vogelhäuser denken, wobei die flachen Dächer der Häuser wiederum wie Rampen wirken. Sie lassen sich zusammen oder einzeln betrachten.      Alles ist abstrahiert und in seiner Formensprache reduziert. Die Objekte sind weiß, wie die Vitrine selbst, der Ausstellungstitel spiegelt das wieder. Gleichberechtigt stehen die Elemente kontrastlos nebeneinander. Die Installation lässt sich nur von außen wahrnehmen. Die Arbeiten sind auf diese Situation bezogen.

Die Arbeit ist Teil des Projektes „Der Malkasten und sein Park als Ort der Kunst“, das vom Landschaftsverband Rheinland und der Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf gefördert wird.

Abb. ©Nikolai Rusu

Malkastenforum

Die Kunst der Feste

14. Februar – 28. April 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung “Dionysisches Denken. Die Kunst der Feste” am Karnevalssamstag, 14. Februar 2026, um 15 Uhr.

Seit seiner Gründung 1848 spielt das „gesellige Zusammenkommen“ eine wichtige Rolle im Künstlerverein Malkasten. Aufwändig gestaltete Festumzüge und Künstlerfeste im Malkastenpark gehörten ebenso dazu wie die seit 1852 stattfindenden Maskenbälle an Karnevalssamstag, die sogenannten Malkasten-Redouten. Bis heute gilt der Malkasten als „dionysischer Begegnungsort“, an dem fantasievoll, ironisch und ausgelassen gefeiert werden kann.

Die Ausstellung „Dionysisches Denken. Die Kunst der Feste“ blickt anhand selten gesehener Exponate aus dem Archiv zurück auf diese Tradition und zeigt zugleich aktuelle künstlerische Positionen, die sie in ein neues Licht stellen. Das freie Spiel unterschiedlicher Medien – Rauminstallationen, Gemälden, Videoarbeiten und Fotografien – spiegelt die Diversität und die Aufbruchstimmung, für die der Malkasten auch 2026 steht. Im Dialog der Zeiten entsteht ein bunter Parcours, der seinerseits zum Feiern der Kunst und Künste einlädt. Willkommen im „Dionysischen Denken“!

Zeitgenössische Positionen in der Ausstellung sind: Selva Amelia Balta, Fabian Friese, FORT, Dominik Geis, Jody Korbach, Kaya Pfaff, Lorenzo Pompa, Katja Tönnissen, Alex Wissel

Die historischen Malkasten-Redouten hatten jeweils ein bestimmtes Thema. Die erste heute nachweisbare fand 1852 unter dem Motto „Aschenbrödels Hochzeit“ statt. Doch nicht nur die Welt der Märchen inszenierte man, auch die Kunstgeschichte spielte eine Rolle („Albrecht Dürer in Venedig“, 1889, oder „Ein Fest bei Peter Paul Rubens“, 1893), außerdem das Zeitgeschehen und aktuelle Trends. „Eine Hochzeit auf dem Monde“ griff beispielsweise 1896 die damalige Begeisterung für den Weltraum auf. Veranstaltungsort war bis 1914 die städtische Tonhalle an der heutigen Schadowstraße, das in dieser Zeit größte Veranstaltungsgebäude der Stadt. Hier konnten bis zu 2000 Personen Platz finden und mitfeiern.

Die Feste sollten ein großes Gesamtkunstwerk werden. Für die Schauspiel-aufführungen wurden phantasievolle Kulissen gefertigt. Andreas Achenbach beispielsweise schuf 1869 eine „Narrenburg“. Für „Ein Winternachtstraum“ wurde 1888 die Bühne in eine winterliche Landschaft mit Felsgrotten, Eisbären und Schneemännern verwandelt. Ein Festzug vor und nach der Aufführung bezog das Publikum mit ein, und gerne besuchte man die Veranstaltung in einer Verkleidung, die zum Thema der jeweiligen Redouten passte.
Der Erste Weltkrieg führte zu einer Unterbrechung der Malkasten-Redouten, doch setzte man diese fort, wie u.a. 1927 mit der Redoute „Im Reiche des Buddhas“ oder 1930 mit „Atlantis ahoi“. In den frühen 1930er Jahren wurden die Redouten dann Indiz der sich in Deutschland verschärfenden gesellschaftlichen Konflikte. 1931 entfachte eine von den jungen Künstlern Arthur Kaufmann, Ernst Schumacher-Salig, Jean Paul Schmitz und Bruno Goller geschaffene Festdekoration mit weiblichen Akten einen internen Streit, der auch öffentlich in der Düsseldorfer Presse ausgetragenen wurde, schwankend zwischen politischer Mahnung und offen nationalsozialistischer Hetze. In der Folge verließen über 80 progressive Künstlermitglieder den Verein – rund ein Fünftel der Mitgliedschaft. Die Redouten der folgenden Jahre sind deutlich weniger innovativ und eher rückwärtsgewandt. Das Motto des Jahres 1932, „Trotz Allem – Sonnenland“, spiegelt eine Leugnung der tatsächlichen Verhältnisse.
Bevor nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges die eigenen Vereinsräumlichkeiten wieder genutzt werden konnten – diese waren durch Bombenangriffe 1943 zerstört –, fanden die Redouten des Malkasten in anderen Räumlichkeiten statt, wie 1949 in der Rheinhalle und 1950 im Ehrenhof. Diese wurden aufwendig wie vor dem Zweiten Weltkrieg ausgestattet, doch die Festspieltradition mit Bühnendarbietungen zu Karneval nahm man nie wieder auf. Bis Anfang der 1990er Jahre richtete der Malkasten jährlich eine Redoute aus.

2026 führt der Künstlerverein Malkasten die Tradition der Karnevalsfeier fort und überträgt sie in die Gegenwart. Initiiert vom Künstler Alex Wissel wandelt sich der Malkasten am 14. Februar für zwölf Stunden in ein Multiversum, in dem sich Zeiten und Räume in gegenläufiger Richtung kreuzen. Die Studierenden des Künstlerinnenkollektivs FORT der Kunstakademie Kiel haben gemeinsam mit Alex Wissel dieses Konzept erarbeitet und unter der Regie der Vielen umgesetzt.

Die Ausstellung „Dionysisches Denken. Die Kunst der Feste“ steht unter der Schirmherrschaft des Präsidenten des Comitee Düsseldorfer Carneval e.V., Lothar J. Hörning.

Mit Dank an die Stiftung IMAI – Inter Media Art Institute für die technische Unterstützung für die Arbeit von Dominik Geis.

Gestaltung Fabian Weins, nach Kostümentwürfen von Alexander Frenz für den Malkasten-Maskenball „Eine Hochzeit auf dem Monde“ von 1896

Schaukasten

Man in Window

10. Februar – 13. April 2026

Herzliche Einladung zur Präsentation der neuen Arbeit im Schaukasten auf dem Vorplatz am Dienstag, 10. Februar 2026, um 18 Uhr.

“Man in Window” ist eine poetische Auseinandersetzung von Fee Mai mit Bewegung, Momenten des Erkennens und der Verarbeitung von Information. Ausgangspunkt der Arbeit ist eine analoge Fotografie, die mittels Negativscan digitalisiert und in einem weiteren Schritt zu einem digitalen Siebdruck weiterentwickelt wurde. Im Verlauf dieses Übersetzungsprozesses werden Informationen schrittweise reduziert. Während das analoge Foto eine scheinbar präzise Abbildung von Realität liefert, führt die Aufsplittung in CMYK zu einem groben, ungenauen Halbtonraster. Erst das Zusammenspiel der einzelnen Farbebenen setzt das Bild erneut zusammen – jedoch nicht als scharfe Reproduktion, sondern als distanzierte Annäherung an das ursprüngliche Motiv.
Mit zunehmendem Abstand zur Arbeit wird das Motiv klarer lesbar. Der Vorplatz erlaubt eine freie Bewegung und lädt dazu ein, Wahrnehmung und Bildschärfe aus unterschiedlichen Distanzen zu erforschen.

Fee Mai, Man in Window, 2026 ©the Artist

Rotunde im Hentrichhaus

BIC MAXI SHORT

27. Januar – 3. März 2026

In BIC Maxi Short zeigt Alwin Lay den verkleinerten Körper eines BIC-Feuerzeugs, das sein Inneres langsam freigibt und sich dabei in einer Form von Hyper-Funktionalität entlädt. Das Video folgt Lays Interesse am spekulativen Realismus: Statt den Menschen über das Objekt zu stellen, löst es die Hierarchie zwischen beiden auf. In der Abwesenheit jeglicher menschlicher Präsenz wird das Objekt selbst zur handelnden Figur, in der Momente von Verwirrung, Stillstand und Manipulation zentral werden.

Das Video entstand für Daata und erscheint dort.

Alwin Lay arbeitet mit und über die Medien Fotografie, Video, Installation und Skulptur. Ausgangspunkt seiner Arbeiten ist das Objekt als Projektionsfläche für Wünsche und Erwartungen, in deren Übertrag sich gezielt gesetzte Fehler, Modifikationen und surreale Leerstellen einschreiben. Mit großer Präzision choreografiert Lay alltägliche Gegenstände in räumlichen Situationen, die zwischen Irritation, Humor und Scheitern changieren und zugleich Fragen nach Wahrnehmung, Zuschreibung und den Versprechen des fotografischen Bildes verhandeln.

Die Arbeiten von Alwin Lay (*1984, Rumänien) waren in zahlreichen Ausstellungen in Galerien und Museen zu sehen, darunter Einzelausstellungen im Museum für Photographie Braunschweig und im Neuen Aachener Kunstverein. Gruppenausstellungen u. a. im Kunstmuseum Bonn, im MUMOK Wien, in der Bundeskunsthalle Bonn sowie in verschiedenen Kunstvereinen. 2016 war Lay Artist in Residence an der Villa Aurora in Los Angeles; 2020 erhielt er das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds. Seine Arbeiten werden von der Christine König Galerie in Wien vertreten.

Öffnungszeiten Hentrichhaus: Mo-So 12-21 Uhr

Abb. Alwin Lay, Bic Maxi Short, 2019, HD-Video, 12:17, stumm (Videostill), VG Bild-Kunst, Bonn 2026 für Alwin Lay

Jacobihaus

2. Dezember 2025 – 13. Januar 2026

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Jahresausstellung der Mitglieder des Künstlerverein Malkasten am Dienstag, 2. Dezember 2025, um 18 Uhr.

„Alles geht“. Das ist das Motto der diesjährigen Mitgliederausstellung des Künstlerverein Malkasten, DAS KLEINE FORMAT, die am 2. Dezember eröffnet wird. 303 Kunstwerke wurden eingereicht, vom klassischen Ölgemälde bis zu textilen Arbeiten aus Seide oder Wolle. Alle Gattungen sind vertreten: Malerei und Zeichnung, Druckgrafik und Fotografie, Skulptur und Objektkunst.

Übersicht der 303 eingereichten Werken von 2025
Bitte beachten: Der Verkauf über den Künstlerverein Malkasten ist beendet.

Mit über 300 Arbeiten wird nochmals die Rekordzahl von 250 Werken im letzten Jahr übertroffen. Besonders viele junge Mitglieder haben sich diesmal beteiligt; teils studieren sie noch an der Kunstakademie Düsseldorf, teils haben sie gerade ihren Abschluss gemacht. Im Zusammenspiel mit den älteren und arrivierten Positionen ergibt sich eine spannende Mischung. Gerade dieser Dialog der Generationen ist ein Grundanliegen des Künstlerverein Malkasten.

DAS KLEINE FORMAT besteht bereits seit den 1960er Jahren. Die Ausstellung ist zum festen Bestandteil des kulturellen Lebens in der Landeshauptstadt Düsseldorf geworden. Sie trifft stets auf große Resonanz und lockt zahlreiche Besucherinnen und Besucher in den Künstlerverein Malkasten. Viele der Kunstwerke finden bereits am Eröffnungsabend begeisterte Käufer.

Die Ausstellung ist nach der Vernissage geöffnet am 9. und 16. Dezember 2025 sowie am 6. Januar 2026, jeweils von 17-21 Uhr, sowie nach telefonischer Vereinbarung unter 0211-35 64 71. Die Finissage findet statt am Dienstag, 13. Januar 2026, um 18 Uhr.

Gregor Russ, ...alles geht...,2025

Rotunde im Hentrichhaus

AUTOMATIC

11. November – 16. Dezember 2025

In seiner Arbeit befasst sich David Zubek vor allem mit digitalen Medien und deren Einfluss auf das alltägliche Leben, meist in Form von Videos, Musik und Games. Die Gegenüberstellung von virtuellem Raum und Realität, mit intimem Blick auf das Persönliche, stehen dabei im Fokus. Die Welten von Spielen, die er dazu oft filmt werden genauso wie ein realer Raum behandelt, in dem er Details und Szenen filmt und somit neu kontextualisiere.

Die Arbeit „AUTOMATIC“ besteht ausschließlich aus Aufnahmen aus dem Spiel „Black Mesa“. Die Spielausschnitte werden nicht mit realen Bildern in Kontrast gestellt, sondern sollen selbst als real wahrgenommen werden. Übernatürliche Szenen mit Zombies und Aliens wurden bewusst weggelassen, um eine alltägliche Situation zu zeigen. Smalltalk, Streit, strenge Blicke und dumme Witze zwischen Kollegen. Verrenkungen und Fehler in der Physik-Engine zeigen die Anspannung der Personen in ihrer ganz persönlichen Hölle.

David Zubel ist Künstler und Musiker, geboren 2000 in Düsseldorf.
2019-2020: Royal Academy of Fine Arts in Antwerpen.
Seit 2020 Student an der Kunstakademie Münster, in der Klasse von Aernout Mik, zurzeit im Auslandsaufenthalt in Japan, an der Geidai University of the Arts, Tokyo.

Öffnungszeiten Hentrichhaus: Mo-So 12-21 Uhr

Abb. David Zubek, 2022, 4:34, stereo (Videostill) ©the Artist

Schaukasten

ob du wirklich richtig stehst

4. November 2025 – 9. Februar 2026

Herzliche Einladung zur Präsentation der neuen Arbeit im Schaukasten auf dem Vorplatz am Dienstag, 4. November 2025, um 19 Uhr.

Mit „ob du wirklich richtig stehst“ verknüpft Markus Henschler die besonderen Eigenschaften des Schaukastens als Lichtapparat mit nächtlichen Ängsten von Nicht-Männern.

Die im Schaukasten des Malkastens präsentierte Zeichnung verändert sich mit Einbruch der Dunkelheit maßgeblich: Während analog zum Sonnenuntergang auch innerhalb der Zeichnung das meiste Licht schwindet, kommen neue, tagsüber unsichtbare Bildelemente zum Vorschein. Diese verweisen auf den Zustand, dass sich Nicht-Männer deutlich unsicherer als Männer fühlen, wenn sie nachts alleine draußen unterwegs sind.

Je nach Tageszeit ist der Reim „ob du wirklich richtig stehst, siehst du, wenn das licht ausgeht“ komplett zu lesen. Dieser leitet sich aus einem Motto der Kinder-Quizshow „1, 2 oder 3“ ab, bei welchem Kinder nach Stellen einer Frage auf einem der Antwortfelder zum Stehen kommen sollen, bevor ihnen die richtige Lösung verraten wird.

Diese schnelle Wahl der eigenen Position wird von Markus Henschler in den nächtlichen Kontext übersetzt: Nachts erscheinen auf der Zeichnung verschiedene Pfeile, die mögliche Umwege um die bedrohlich wirkende Person markieren. Im Unterschied zur Quizshow erfolgt keine Auflösung, welcher Weg nun der richtige ist. Passend zum November-Anfang und frühen Sonnenuntergängen wird durch „ob du wirklich richtig stehst“ sichtbar, dass Nicht-Männer es meiden, alleine im Dunkeln draußen unterwegs zu sein – und falls sie es doch sind, vor allem aufgrund bedrohlicher Männer Umwege in Kauf nehmen, ihren Standort teilen oder zur Sicherheit mit engen Vertrauten telefonieren.

Abb. Markus Henschler, ob du wirklich richtig stehst, 2025 © Markus Henschler

Malkastenforum

Künstlerinnen im Malkasten 1977-1997

14. Oktober 2025 – 3. Februar 2026

Die Rolle der weiblichen Mitglieder im Künstlerverein Malkasten ist wesentlich – wurde aber bisher wenig beachtet. Erstmals behandelt die Ausstellung „HER. un/seen. Künstlerinnen im Malkasten 1977-1997“ dieses wichtige Thema.

„Heute ist ein Herrenabend! Für begleitende Damen ist das Goethezimmer reserviert! Wir bitten um Verständnis. Der Vorstand.“ Dieses Motto galt lange Zeit im Künstlerverein Malkasten, dem 1848 von Künstlern für Künstler gegründeten Verein – wohlgemerkt 129 Jahre nur für Künstler! Vereinzelt gab es zwar Ausstellungen von Künstlerinnen, und Frauen durften ihre Ehemänner, die Mitglied waren, zu Veranstaltungen begleiten, doch war dies mitunter nicht immer der Fall.

Mitte der 1970er Jahre diskutierte man verstärkt die Aufnahme von Frauen in den Verein. Dafür war eine Satzungsänderung nötig.  Mehrfach wurde das Thema auf die Tagesordnung der jährlich stattfindenden Generalversammlungen gesetzt. Doch erst am 3. Mai 1977 wurde die Satzung geändert. Von den 85 abgegeben Stimmen waren 66 dafür, 18 dagegen, ein anwesendes Mitglied enthielt sich. Von da an konnten Frauen Mitglied im Künstlerverein Malkasten werden. Eines der ersten weiblichen Mitglieder war die Malerin, Grafikerin und Illustratorin Helga Radener-Blaschke, die sich in den 1950er und 1960er Jahren deutschlandweit einen Namen mit Kunst-am-Bau-Projekten gemacht hatte.

Die Ausstellung „HER. un/seen. Künstlerinnen im Malkasten 1977-1997“ vermittelt einen Eindruck von der großen Bandbreite weiblicher Positionen im Malkasten in den ersten zwei Jahrzehnten nach der wegweisenden Satzungsänderung. Gezeigt werden die Werke von rund 40 ausgewählten Künstlerinnen, unter ihnen viele Neu- und Wiederentdeckungen.

Die Exponate – Gemälde und Fotografien, Zeichnungen, Collagen und Druckgrafiken, Skulpturen, Videoarbeiten und Installationen – stammen von den Künstlerinnen selbst, aus deren Nachlässen, aus Museen und Privatsammlungen sowie aus dem Archiv des Künstlerverein Malkasten. Zusätzlich belebt wird die Ausstellung durch Video-Interviews mit Künstlerinnen, die eigens aus diesem Anlass geführt wurden.

Ein bemerkenswertes historisches Schlaglicht auf das Thema werfen die Arbeiten der Jugendstilkünstlerin Ilna Ewers-Wunderwald (1875-1957). Als Frau vom Studium an einer Kunstakademie ausgeschlossen, war sie weitestgehend Autodidaktin und nahm wahrscheinlich privaten Kunstunterricht. Da ihr Bruder als Kegelmeier des Vereins fungierte, hatte sie die Möglichkeit, regelmäßig in den Verein zu kommen. Im Malkasten lernte sie auch ihren späteren Ehemann, den Schriftsteller Hanns Heinz Ewers kennen, dessen Vater Heinz wiederum im Vorstand von 1876-1877 tätig gewesen ist. Als Frau kam für Ilna Ewers-Wunderwald eine Mitgliedschaft jedoch nie in Frage.

Wenn die Ausstellung einerseits die Vergangenheit des Vereins aufarbeitet, so zeigt sie andererseits die aktuelle künstlerische Praxis von Frauen. Drei junge Künstlerinnen, Malkästnerinnen aus dem Umfeld der Kunstakademie, haben neue Arbeiten entwickelt, die Bezug nehmen auf drei der älteren Positionen in der Ausstellung.

Der auf diese Weise sich entspinnende Dialog zwischen den Generationen und den unterschiedlichen künstlerischen Disziplinen und Haltungen findet auch seinen Niederschlag im Begleitprogramm.

Die Ausstellung „HER. un/seen. Künstlerinnen im Malkasten 1977-1997“ ist das erste Ergebnis intensiver Recherchen, die im Frühjahr 2024 begonnen wurden und noch lange nicht abgeschlossen sind. Sie bildet den aktuellen Zwischenstand ab und macht viele teils bisher ungesehene Künstlerinnen endlich sichtbar.

Künstlerinnen der Ausstellung, die mit Werken und/oder Interviews vertreten sind:
Ulrike Arnold, Ulrike Beckmann, Alice Blumberg, Dorothee Bouchard, Charlotte Buck-Bliesener, Adina Caloenescu, Antonia Dombrowski, Ilna Ewers-Wunderwald, Karin Flörsheim, Gretel Gemmert, Lenore Gerber-Sporleder, Maren Heyne, Nan Hoover, Setsuko Ikai-Kottmann, Anna Jocham, Ruth van Kampen, Claudia van Koolwijk, Elisabeth Köhler-Burtscheidt, Herma Körding, Kim-Camille Kreuz, Silke Leverkühne, Julia Lohmann, Marianne Mangold-Nienhaus, Edith Oellers, Elly Ohms-Quennet, Jeanette Plücken, Gerhild Poos, Lu Possehl, Helga Radener-Blaschke, Natascha Schmitten, Ina Seeberg, Brigitte Seeling-Fassbender, Hannelore Strohbach, Nobuko Sugai, Sabine Tschierschky, Ruth Weber, Brigitte Wiegmann, Annette Wimmershoff

Die Ausstellung ist in Zusammenarbeit des Teams des Künstlerverein Malkasten entstanden: mit der Kunsthistorikerin und Kuratorin Beate Kolodziej, der Leiterin des Archivs Sabine Schroyen sowie den künstlerischen Vorständen Evamaria Schaller und Myriam Thyes.

TEXT ZUR AUSSTELLUNG IN LEICHTER SPRACHE 

ÖFFENTLICHE FÜHRUNGEN
Dienstag, 3. Februar 2026, 17 Uhr

BEGLEITPROGRAMM
Samstag, 15. November 2025, 19 Uhr: GENERATION 4. BLENDING Q – FEMSURRECTION

Sonntag, 7. Dezember 2025, 15 Uhr: Chanoyu – Japanische Teezusammenkunft mit Nobuko Sōchō Sugai

Dienstag, 9. Dezember 2025, 19 Uhr: Lesung mit Ina Seeberg

Freitag, 16. Januar 2026: təˈtæʉ Temporäres Sound- & Tätowier-Studio im Goethezimmer mit Franziska Nast und Julia Bünnagel

Site-specific tattooing-Studio am Freitag, 16. Januar 2026, ab 10 Uhr
Franziska Nast entwickelt für jeden Ausstellungsort eine eigene Motivkollektion, die ausschließlich dort angeboten und im Rahmen ihres ortsspezifischen Tätowierens umgesetzt wird. Da die Termine begrenzt sind, bitten wir um Anmeldung unter info@franziskanast.de.

Gemeinsame Performance am Freitag, 16. Januar 2026,  um 19 Uhr, im Anschluss Musik & Drinks
Franziska Nast und Julia Bünnagel verbindet ein übergreifender und abseitiger Kunstansatz und eine Freundschaft. Gemeinsam  performen sie mit der Nadel: Nast mit der Tätowiermaschine, Bünnagel mit schroffen und raumgreifenden Cuts an den  Turntables. In ihrer gemeinsamen Aktion verbinden sie den Klang als vergängliches mit dem dauerhaftem der Tätowierung.

Dienstag, 20. Januar 2026: „Sichtbarkeit als Machtfrage: Über aktuelle Perspektiven für Künstlerinnen”, initiiert vom Frauenkulturbüro NRW,
An der Podiumdiskussion nehmen teil:
Ilka Helmig (And She Was Like: BÄM! e. V.)
Sascha Förster (Leiter Theatermuseum Düsseldorf/ Vorstand Frauenkulturbüro NRW) Beate Kolodziej (Künstlerverein Malkasten, Kuratorin der Ausstellung „HER. un/seen“) Natascha Schmitten (Künstlerin der Ausstellung „HER. un/seen“)
Karin Trepke (Mitglied der GRÜNEN)
moderiert von Evamaria Schaller (Künstlerischer Vorstand Künstlerverein Malkasten/ Vorstand Frauenkulturbüro NRW)

ÖFFNUNGSZEITEN MALKASTENFORUM
Di von 17-21 Uhr, Do bis So 11-17 Uhr
Das Malkastenforum bleibt vom 22. Dezember 2025 bis einschließlich 4. Januar 2026 geschlossen.

Gefördert durch die Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf.

Mit freundlicher Unterstützung der Kultur- und Sozialstiftung der Provinzial Rheinland Versicherungen.

HER. un/seen. Künstlerinnen Im Malkasten 1977-1997, Entwurf Melissa Korkmaz

Vitrine im Hentrichhaus

Hentrichs Haus

16. September – 28. Oktober 2025

Herzliche Einladung zur Eröffnung der neuen Installation in der Vitrine im Hentrichhaus am Dienstag, 16. September 2025, um 19 Uhr.

In seiner Installation in der Vitrine im Hentrichhaus setzt sich David Hartig kritisch mit dem Namensgeber des Gebäudes, Helmut Hentrich, auseinander. In Zeichnungen und mit einer Soundarbeit beleuchtet er den Düsseldorfer Architekten, der als 1. Vorsitzender des Künstlerverein Malkasten 1945-55 maßgeblich für den Wiederaufbau der im 2. Weltkrieg zerstörten Vereinsgebäude war und in der Landeshauptstadt u. a. das Dreischeibenhaus entwarf. Doch Hentrichs Biografie ist nicht unumstritten. Er war Mitglied in der NSDAP und wird auf der Liste der Gottbegnadeten geführt.

David Hartig (*2002), studiert seit 2021 an der Düsseldorfer Kunstakademie. Er war in der Klasse von Maximiliane Baumgartner, die jetzt von Nick Mauss übernommen wird.

Abb. David Hartig, Hentrichs Haus, 2025 © David Hartig

Jacobihaus

Angesichten

26. August – 28. Oktober 2025

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung am Dienstag, 26. August 2025, um 19 Uhr.

Zur Finissage am Dienstag, 28. Oktober 2025, wird es um 19 Uhr ein Gespräch mit Hedwig Rogge und Melanie Richter (2. Vorsitzende Künstlerverein Malkasten) geben.

„Angesichten“ ist der Titel der Ausstellung von Hedwig Rogge im Jacobihaus. Ihre jüngst entstandenen Malereien treffen dabei auf keramische Objekte, einen bisher unbekannten Aspekt ihres Schaffens.
Wesentlich für Hedwig Rogge ist das stete Hinterfragen von Material und Technik. Zu Anfang ihrer künstlerischen Laufbahn malte sie beispielweise nur mit ihren Händen, teilweise in Abbruchhäusern. Auch ließ sie Zeichenkarton im Regen liegen, um so die Spuren des Wetters einzufangen. Mit großformatigen malerischen Frottagen des Außenraums untersuchte sie Möglichkeiten der Selbstdarstellung von Landschaft.
Seit einigen Jahren erforscht die Künstlerin, wie sich verschiedenartige Pinsel auf dem Papier verhalten, welche Linien und Flächen sich bei unterschiedlicher Beschaffenheit entfalten können. Mal fertigt sie die Pinsel selbst an, mal findet sie sie auf Trödelmärkten, etwa einen Pinsel aus langen Schweineborsten, der so „präpariert“ war, dass er sehr streifig malt und jede Linie auf wechselnde Art mehrfach vervielfältigt, ein Faktor, den Hedwig Rogge nicht beeinflussen kann. Es ist das Offene und Zufällige, das Unbestimmte und Unbekannte, vom dem sich Hedwig Rogge leiten lässt, mit dem sie interagiert.
Auch in ihren neuesten Malereien spielen die Spuren des Pinsels eine große Rolle. Als Ausgangspunkt für diese Arbeiten nutzt sie wässrige Tuscheuntermalungen und assoziiert in ihnen Landschaften aus ihrer Erinnerung, die sie dann mit Tusche und Acrylfarbe herausarbeitet: mal grob und großzügig, mal fein. Immer wieder sieht man gegenständliche Motive, doch abstrakte Flächen und Formen überwiegen, so dass Hedwig Rogges Landschaften reduziert, poetisch und offen wirken.
Ähnlich ist dies bei ihren Masken aus Ton, mit denen sie sich aktuell befasst. Wie bei ihren Malereien arbeitet sie prozessual und spielerisch. Und wieder geht sie von einer Art Grundform aus – nun im wörtlichen Sinn, denn diese ist plastisch modelliert. Diese Grundform wird im nächsten Schritt deformiert. Sie folgt also dem Prinzip von Aufbau und Zerstörung, um etwas Neues zu erschaffen. Dabei lotet sie plastische Darstellungsmöglichkeiten des Gesichtes aus: abstrahiert und ausdrucksstark. Bisweilen lässt sie die gebrannten Keramikmasken unglasiert, so dass die hellrosa Farbe des Tons beibehalten wird. Es bleibt eine „rohe Lebendigkeit“, wie es die Künstlerin selbst beschreibt. Häufiger jedoch experimentiert Hedwig Rogge mit farbigen Glasuren, brennt die Objekte mehrfach. Farbe und plastische Form gelangen zu einer Einheit, steigern sich gegenseitig.
Hedwig Rogge studierte Kunst und Illustration in Cork (Irland), Düsseldorf, Hamburg und San Francisco, u.a. bei der koreanischen Malerin Eun Nim Ro und dem US-amerikanischen Konzeptkünstler Paul Kos. Sie erhielt zahlreiche Preise und Stipendien und stellte im In- und Ausland aus. Hedwig Rogge lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Öffnungszeiten: Dienstags von 17-21 Uhr sowie nach telefonischer Vereinbarung unter 0211-356471

Abb: Hedwig Rogge, Wasserfall 2025, Tusche und Acryl auf Papier, 75 x 55 cm, Copyright Hedwig Rogge

Schaukasten

Mensch ärgere Dich

19. August – 3. November 2025

Herzliche Einladung zur Präsentation der neuen Arbeit im Schaukasten auf dem Vorplatz am Dienstag, 19. August 2025, um 19 Uhr.

Lillith Sachsenhause schreibt über ihre Arbeit:
“Mit feinem Gespür für Ironie und Alltagsbeobachtung kombiniert die Arbeit „Mensch ärgere Dich“ das ikonische deutsche Brettspiel mit einer scheinbar banalen, aber symbolisch aufgeladenen Störung: einer überdimensionalen zerquetschten Stechmücke. Das Plakatmotiv thematisiert das Spannungsfeld zwischen gesellschaftlicher Ordnung und individuellen Irritationsmomenten.

Die Mücke, als Störfaktor zentral über das Spielfeld gelegt, unterbricht nicht nur das Spielgeschehen, sondern visualisiert eine Geste, die viele kennen. Das instinktive  Zuschlagen auf einen Tisch, sei es im Spiel oder beim Versuch, ein lästiges Insekt zu vertreiben.

Der Verweis auf die Regeln des Spiels und der Appell „ärgere dich nicht“ stehen dabei im bewussten Kontrast zum emotional aufgeladenen Motiv. Die Arbeit lädt ein, das vermeintlich harmlose Spiel als Metapher für Kontrollverluste und Regelbrüche zu lesen. Dabei entsteht ein Wechselspiel zwischen dem menschlichen Bedürfnis nach Struktur und dem unweigerlichen Einbruch des Unvorhersehbaren.

„Mensch ärgere Dich“ ist ein Kommentar zu Spiel, Störung und Selbstbeherrschung mit humorvollem, aber auch kritischen Blick auf unsere Reizbarkeit und unseren Ehrgeiz vom Kleinen bis ins gesellschaftlich Große.”

Abb. Lillith Sachsenhauser, Mensch ärgere Dich, 2025 © Lillith Sachsenhauser

Vitrine im Hentrichhaus

Borrowed Scenery - Lantz’scher Skulpturenpark 2025 + Künstlerverein Malkasten

29. Juni – 7. September 2025

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Installation von Edith Dekyndt in der Vitrine im Hentrichhaus im Rahmen der Ausstellung „Lantz’scher Skulpturenpark 2025: Borrowed Scenery“ am Sonntag, 29. Juni 2025, um 18 Uhr.

Die Ausstellung “Lantz’scher Skulpturenpark 2025: Borrowed Scenery” findet vom 29. Juni bis 7. September 2025 im Lantz’schen Park statt, Eröffnung Sonntag, 29. Juni 2025, von 13-15 Uhr. Teilnehmende Künstler:innen sind Edith Dekyndt, Mimosa Echard, Dara Friedman, Benjamin Hirte, Allison Katz, Nancy Lupo

Die Vitrine im Hentrichhaus des Künstlerverein Malkasten ist zweiter Ausstellungsort des Projektes.

„Bevor die Landschaft je ein Refugium für die Sinne werden kann, ist sie schon das Werk des Geistes. Ihre Szenerie ist ebenso aus Schichten der Erinnerung zusammengesetzt wie aus Gesteinsschichten,“ schreibt der Historiker Simon Schama. In dem Bewusstsein, dass unsere gebaute Umwelt ebenso sehr von immateriellen Kräften wie von festen Materialien geprägt ist, rückt die Ausstellung Borrowed Scenery die Idee des Lantz’schen Parks als einen konstruierten Raum in den Mittelpunkt, der historische Erzählungen und gesellschaftliche Dynamiken über die Zeit hinweg in sich trägt.

Der aus der japanischen Gartengestaltung stammende Begriff „Borrowed Scenery“ (jap. Shakkei), dt. „geliehene Landschaft“, bezieht sich auf die bewusste Rahmung und Einbeziehung der umgebenden Landschaftsmerkmale in die Gestaltung eines Gartens. Im Falle des Lantz’schen Parks schließt dies auch die Vergangenheit ein. Errichtet auf den Fundamenten eines Herrenhauses aus dem 13. Jahrhundert und geprägt von aufeinander folgenden Eingriffen, die historische Umbrüche politischer Systeme und kultureller Narrative widerspiegeln, ist der Park heute eine konstruierte Landschaft, in der sich Vergangenheit und Gegenwart ineinanderschieben und überlagern. Im 19. Jahrhundert, zur Zeit Preußens, erwarb die Familie Lantz, die durch den kolonialen Gewürzhandel zu Wohlstand gekommen war, das Gelände und ließ die heutige Villa Lantz errichten. Für die Umgebung des Hauses beauftragte die Familie 1858 den Landschaftsarchitekten Joseph Clemens Weyhe, einen englischen Landschaftsgarten zu gestalten. Weyhe, Mitglied einer Großfamilie von Landschaftsarchitekten, die Parks im gesamten Rheinland sowie in Berlin gestalteten, dient auch als Verbindung zum zweiten Ausstellungsort des Projekts: der Vitrine im Hentrichhaus des Künstlerverein Malkasten, dessen Garten – ebenso wie den benachbarten Hofgarten – die Familie Weyhe mitgestaltete. So wird für die Ausstellung eine historische und räumliche Achse quer durch die Stadt gebildet.

Etwa hundert Jahre nach der Schaffung des Lantz’schen Parks wurde während des Zweiten Weltkriegs ein Bunker unter dem Gelände gebaut, dessen verfallener Eingang heute noch sichtbar ist. Die Idee für den Lantz’schen Skulpturenpark und die Ausstellung zeitgenössischer Kunst in dieser aufgeladenen Landschaft geht zurück auf den Düsseldorfer Avantgarde-Galeristen Alfred Schmela, der 1975 seine gleichnamige Galerie im Lantz’schen Park eröffnete und in der Villa Lantz im Herzen des Parks auch lebte und arbeitete.

Im Kontext des Lantz’schen Skulpturenparks geht das ursprüngliche Konzept von „geliehener Landschaft“ über das Visuelle hinaus und umfasst auch historische, materielle und sinnliche Dimensionen. Denn all diese zum Teil verdeckten Geschichten, sich wandelnden Kräfte und ihre Spuren formen das Gelände des Parks nach wie vor – auch wenn sie nur als Echos, Fragmente und überlagerte Überreste räumlicher Anordnungen existieren, die unsere Wahrnehmung prägen. “Borrowed Scenery” möchte diese Verflechtungen freilegen und zugleich neue Perspektiven in das komplexe Verhältnis von Erhaltung, Ausradierung und Neuinterpretation einschreiben. Die eingeladenen Künstler:innen setzen sich mit den latenten Kräften auseinander, die in die Landschaft eingebettet sind – mit einem psychischen Terrain, das ebenso sehr von Erinnerung geformt ist wie von den sich durch den Park ziehenden Wegen, den hoch aufragenden Bäumen, strategisch platzierten Zierfelsen und historischen Skulpturen. Die Arbeiten fungieren als Sensoren, die Unausgesprochenes verstärken, und erkunden, wie die Landschaft nicht nur als Bühne dienen kann, sondern aktiv an der Konstruktion von Erinnerung und Selbstverständnis beteiligt ist. Die Kunstwerke können angelegte Perspektiven auf subtile Weise unterwandern oder neue Erzählungen in die Landschaft einschreiben. “Borrowed Scenery” lädt die Besucher:innen ein, den Park als ein lebendiges, dynamisches Archiv zu erfahren, in dem sich Geschichten fortwährend unter den eigenen Füßen verschieben.

Kuratorin: Stephanie Seidel
Kuratorische Assistenz: Silja Lenz

“Lantz’scher Skulpturenpark 2025: Borrowed Scenery” ist ein Projekt der Kunstkommission Düsseldorf.

Es wird gefördert durch das Kulturamt Düsseldorf, die Kunststiftung NRW sowie dem Bureau des arts plastiques des Institut français Deutschland.

Ein detaillierter Veranstaltungsplan für die Laufzeit der Ausstellung folgt in Kürze.
Weitere Informationen unter www.kunstkommission-duesseldorf.de/projekte/lantzscher-skulpturenpark

Edith Dekyndt, Green of Schweinfurth, 2024. Courtesy of the artist and Konrad Fischer Galerie, Photo: Roman März.

Jacobihaus

100 Jahre Hans-Albert Walter

10. Juni – 19. August 2025

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung am Dienstag, 10. Juni 2025, um 19 Uhr.
Es spricht zur Eröffnung der Kunstkritiker Dr. Rainer Beßling

In diesem Jahr wäre der Künstler Hans-Albert Walter 100 Jahre geworden. Anlässlich dieses Jubiläums zeigt der Künstlerverein Malkasten rund 20 Werke – Gemälde und Grafiken – seines langjährigen Mitglieds.

Hans-Albert Walters Werk lässt sich in unterschiedliche Werkphasen gliedern. Wie so viele Künstler seiner Generation beginnt er gegenständlich zu arbeiten. Doch er ist offen für Neues und lässt sich Anfang der 1960er Jahre von den ZERO-Künstlern zu kinetischen Bildern inspirieren. Ab Mitte der 1960er Jahre sind es die Werke der Pop- und Op-Art, die einen Widerhall in seinen Bildern finden. Mehr und mehr löst er sich von Farben und geometrischen Formen und konzentriert sich einzig auf die Darstellung von Zahlen, zunächst in Sequenzen und Kolumnen, dann als isolierte Ziffern vor monochromen Hintergründen. Seine „Zahlenbilder“ bilden einen besonderen Schwerpunkt in der Ausstellung im Künstlerverein Malkasten.

Die Zahl ist das zentrale Motiv von Hans-Albert Walter. Nicht als grafische Form, die es gilt umzusetzen. Vielmehr bedeutet die Zahl für ihn Poesie und Meditation. Die Kuratorin Nicole Giese-Kroner, die dem Künstler zu seinem 100. Geburtstag im Syker Vorwerk ebenfalls eine Ausstellung widmet, schreibt sehr treffend über die Zahl bei Walter: „Stattdessen vertraut er auf das Potenzial der Zahl als Zeichen und Bedeutungsträger, als visuelles Ereignis und als Spur einer inneren Ordnung. Seine Werke sind keine mathematischen Gleichungen – sie sind visuelle Denkfiguren, Reflexionen über Zeit, Rhythmus, Struktur und Wahrnehmung.“

Und Günther Uecker schreibt 1981 über den Künstler in einem Brief anlässlich einer Publikation: „Immer wieder begegne ich Hans-Albert Walter, der auf eine eigenartige Weise zu hören vermag. Er spürt die Schwingungen, er sieht die feinsten Bewegungen, er deutet sie und sie werden zu Klangbildern. Bilder, in denen eine zentrale Helligkeit scheint. Hans-Albert Walter hält den Zero-Punkt in seiner Malerei der konzentrierten Ruhe, in der eine Aufhebung aller Widersprüche hergestellt ist, anzusehen im schweigenden Dialog.“ Hans-Albert Walter, der mit 15 Jahren sein Gehört verlor, lässt seine Bilder zu optisch vibrierenden Erlebnissen für die Augen werden.

Geboren 1925 in Kolberg / Pommern, studierte Walter u. a. in Stettin, an der Akademie in München und der Staatlichen Kunsthochschule Bremen. 1954 kam er nach Düsseldorf und arbeitete als Industriegrafiker, ab 1962 dann als freischaffender Künstler. Das niedersächsische Diepholz wurde neben Düsseldorf ab 1983 zu seiner zweiten Heimat. Hier verstarb er 2005.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Volksbank Düsseldorf Neuss eG.

Abb. Hans-Albert Walter, unbekannter Titel, 1993, Acryl auf Leinwand, 200 x 130 cm, Inv.-Nr. SYK00109, Foto: Hans-Jürgen Dehn

Fahnen auf dem Vorplatz

Frei

27. Mai – 18. August 2025

Herzliche Einladung zur Eröffnung der neuen Fahnen-Installation auf dem Vorplatz des Künstlerverein Malkasten am Dienstag, 27. Mai 2025, um 19 Uhr.

Saskia Tamara Kaiser – Frei

Inspiriert von dem gleichnamigen Buch „Frei“ der Philosophin Lea Ypi, untersucht Saskia Tamara Kaiser in ihrer Arbeit die strukturellen Widersprüche feministischer Selbstbestimmung.

Freiheit wird von ihr nicht als individueller Zustand verstanden, sondern als gesellschaftlicher Konflikt – zwischen Körpern, Erwartungen und Systemen. Drei Fahnen zeigen ein zusammenhängendes Motiv: zwei weiblich gelesene Personen, getrennt, aber durch ein Seil miteinander verbunden. Je nach Bewegung, im Wind, erscheint diese Verbindung instabil – mal gespannt, mal gelöst, mal zerrissen. Das Bild verändert sich mit seiner Umgebung und verweist damit auf die strukturellen Schwierigkeiten und Ambivalenzen mit den feministische Selbstbestimmung im privaten und gesamtgesellschaftlichen Kontext konfrontiert ist.

Saskia Tamara Kaiser richtet den Blick auf die oft verdrängte Kehrseite feministischer Emanzipation: den Konkurrenzdruck, die interne Abgrenzung, die strategische Distanz. In patriarchal organisierten Räumen sind weiblich gelesene Menschen gezwungen, sich unter Bedingungen zu behaupten, die Solidarität erschweren. Der systemische Rahmen bleibt bestehen, auch wenn die Positionen darin wechseln.

Ihre Arbeit analysiert nicht Opferrollen, sondern die reproduzierten Muster. Wer scheitert, scheitert nicht allein, dafür aber oft isoliert. Die Geste der Arbeit „Frei“ ist reduziert, die Komposition kontrolliert. Freiheit wird nicht inszeniert, sondern in ihrer Fragilität gezeigt.

In „Frei“ wird Freiheit nicht als abstraktes Ideal oder Versprechen proklamiert, sondern als Konstellation aus unterschiedlichen, parallel laufenden und voneinander bedingten Verhältnissen. Verhältnisse der politischen Realität und die Bedingungen unter denen Freiheit erlebbar wird, wie Beispielsweise: Zugang zu Bildung, sichere Existenz, politische Mitbestimmung oder gesellschaftliche Anerkennung. In diesem Spannungsfeld erscheint feministische Selbstbestimmung als ein fragiles Freiheitsgefühl, das im Kontext des gesellschaftlichen Rechtsruck zunehmend unter Druck gerät.

Feministische Selbstbestimmung steht dem Rechtsruck nicht nur entgegen, sie wird durch ihn aktiv bedroht: Denn autoritäre und antifeministische Kräfte zielen darauf ab, die gesellschaftlichen Voraussetzungen von Freiheit – Teilhabe, Schutz vor Gewalt, ökonomische Sicherheit, Anerkennung vielfältiger Lebensentwürfe – systematisch zu beschneiden.

Abb. Saskia Tamara Kaiser, Frei, Fotografie, 2025 ©VG Bild-Kunst, Bonn 2025 für Saskia Tamara Kaiser

Malkastenforum

ZERO und die Gegenwart

15. Mai – 14. September 2025

Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Die Ausstellung „Welt, wohin?ZERO und die Gegenwart“ vereint charakteristische Werke der Düsseldorfer ZERO-Künstler Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker und ihres Umfelds mit Arbeiten junger Künstler:innen, die heute im Geiste von ZERO erproben, welche neuen Möglichkeiten sich für die Kunst bieten. Werke aus den 1950er bis frühen 1980er Jahren treffen auf Arbeiten, die erst jüngst entstanden sind. So zeigt sich in dem Aufeinandertreffen unterschiedlicher Zeitebenen und Positionen, welche Strahlkraft ZERO auch heute noch ausübt.

Eine Spiegelwand von Christian Megert aus den 1960er Jahren ist das Leitmotiv der Ausstellung. Sie ist historisch, aber sie reflektiert das Jetzt und fragmentiert den Raum, in dem sich die Positionen von Morgen entfalten können. Auch Günther Ueckers „Sandmühle“ (1970) handelt von Zeit – allerdings als Kreislauf: Stetig rotiert ein maschinenbetriebenes Gestänge um die eigene Achse und zieht immer neue und doch immer gleiche Kreise in den Sand. Licht und Bewegung, zentrale Themen von ZERO, treffen im großen Ausstellungsraum zudem in Lichtobjekten von Heinz Mack, Otto Piene und Nanda Vigo aufeinander.

Eingerahmt werden die Objekte der ZERO-Künstler von befreundeten Positionen: etwa von Jan Henderikse, Paul Van Hoeydonck und Peter Royen. Als Wiederentdeckungen hervorzuheben sind die Künstlerinnen Hal Busse und Herta Junghanns-Grulich. Beide waren u. a. in der 7. ZERO-Abendausstellung 1958 vertreten.

Die zeitgenössischen Künstler:innen in der Ausstellung haben eigens aus diesem Anlass neue Werke geschaffen. Felicitas Rohden nimmt Bezug auf ein neues Projekt der NASA, einen aufblasbaren Hitzeschild. Um die Verbindung von Wissenschaft und Natur geht es bei Angelika J. Trojnarski, die in ihren Papiercollagen mit dem Element Feuer arbeitet. Johannes Raimann und Mira Klug beschäftigen sich mit der „Fotografie nach der Fotografie“. Joscha Bender lässt von ChatGPT und einer bildergenerierenden KI eine Version von Michelangelos berühmtem „David“ erstellen, die er dann – mit all ihren Ungenauigkeiten – in eine Steinskulptur umsetzt. Till Bödeker lädt ein in ein Labor mit Serverschränken und Monitoren: ein Verweis auf die Serverräume, in denen künstliche Intelligenzen trainiert werden.

Das Konzept der Ausstellung von Barbara Könches stellt eine Reise aus dem Jahr 2050 zurück in das Jahr 2025 dar. Es lehnt sich in einigen Details – wie der Erfindung des „Apporteurs“ – dem fiktiven Bericht des Historikers Reginald Charles Churchill (1916-1986) an. In seiner dem Stil nach wissenschaftlich, dem Inhalt nach fiktiven „kurzen Geschichte von morgen und übermorgen 1957-6601“, die er unter dem Titel „Welt – wohin?“ 1957 in deutscher Übersetzung publizierte, erstellte er eine fiktive Chronologie und blickte als Wissenschaftler vermeintlich aus dem Jahr 6601 auf die letzten Jahrtausende zurück.

Künstler:innen der Ausstellung
Joscha Bender (*1991), Till Bödeker (*1991), Hal Busse (1926-2018), Jan Henderikse (*1937), Herta Junghanns-Grulich (1912-1990), Mira Klug (*1992), Heinz Mack (*1931), Christian Megert (*1936), Otto Piene (1928-2014), Johannes Raimann (*1992), Felicitas Rohden (*1984), Peter Royen (1923-2013), Angelika J. Trojnarski (*1979), Günther Uecker (1930-2025), Paul Van Hoeydonck (1925-2025), Nanda Vigo (1926-2020)

Laufzeit
15. Mai bis 14. September 2025

Eröffnung
13. Mai 2025, 18 Uhr

Öffnungszeiten Malkastenforum
Di von 17-21 Uhr, Do bis So 11-17 Uhr! Verlängerte Öffnungszeiten während DC OPEN
Freitag, 5.9.25 bis 20 Uhr
Samstag, 6.9.25 bis 20 Uhr
Sonntag, 7.9.25 bis 21 Uhr

Eintritt
4 €, für Mitglieder des Künstlerverein Malkasten ist der Eintritt frei

Nächste öffentliche Führung
Sonntag, 7. September 2025, um 16 UhrIndividuelle Führungen
auf Anfrage möglich, Infos unter info@malkasten.org

Begleitprogramm
Die Ausstellung „Welt, wohin? ZERO und die Gegenwart“ wird neben Führungen durch die Kuratorin, Barbara Könches, und den 1. Vorsitzenden des Künstlerverein Malkasten, Christoph Westermeier, flankiert von einem abwechslungsreichen Begleitprogramm.

Der Künstler Till Bödeker hat einen Beitrag mit dem Titel „Welt, wohin?“ (1:53), adaptiert für eine LED-Wand, 2025, geschaffen, der vom 2. bis 25. Mai 2025, jeweils von 20 bis 23 Uhr, am KÖ-Bogen gezeigt wird. Mit Hilfe von computerbasierter Bildbearbeitung lässt er die Werke seiner Künstler:innenkolleg:innen Joscha Bender, Mira Klug, Heinz Mack, Johannes Raimann, Felicitas Rohden und Angelika Trojnarski mit eigenen Motiven in einem virtuellen Raum verschmelzen.

Die an der Peter Behrens School of Arts / Hochschule Düsseldorf lehrende Künstlerin Felicitas Rohden, Professorin für Form und Farbe, entwickelt mit ihren Studierenden während einer Projektwoche Ende Mai, in der sie sich mit der Ausstellung „Welt, wohin? ZERO und die Gegenwart“ auseinandersetzen, Objekte für den Malkastenpark. Am 30. Mai 2025 werden diese Objekte der Öffentlichkeit präsentiert.

Im Rahmen der Ausstellung findet am Dienstag, 22. Juli 2025, um 19 Uhr ein Künstlergespräch mit Johannes Raimann statt. Zugleich präsentiert Johannes Raimann sein Buch „Zx“, erschienen 2024 bei Distanz, Berlin (28 Euro, Softcover, 80 Seiten, 21,7×17 cm, ISBN 978-3-95476-714-4).

Im Rahmen des Videokunst-Programm, in der im ein- bis zweimonatigen Wechsel Videoarbeiten in der Rotunde im Hentrichhaus gezeigt werden, läuft vom 15. Juli bis zum 2. September 2025 ‘The Unconscious Architect’ von Daniel Nehring. „The Unconscious Architect“ ist eine 3D-Animation, die für die ZERO Foundation Düsseldorf entstanden ist. Sie nutzt die Architektur des Ausstellungsraumes und des Gebäudes der ZERO Foundation als sein Ausgangsmaterial: Mithilfe des Verfahrens der Photogrammetrie entstehen virtuelle Fragmente und alternative Versionen des realen Ortes, die mit fiktiven Elementen angereichert werden. Die vertraute Umgebung wird in eine andere Zeit, mit anderen Umständen und neuen Bedingungen transformiert.

Die Finissage der Ausstellung findet statt am Sonntag, 14. September 2025, ab 15 Uhr.
Der Künstler Till Bödeker, der mit seiner Rauminstallation „Everything’s computer“  in der Ausstellung vertreten ist, lädt an diesem letzten Ausstellungstag zum gemeinsamen Schachspiel ein. Unter dem Motto „Hand and Brain“ könnten jeweils vier Spieler:innen eine Partie bestreiten. Im Doppel geht es gegeneinander: der eine ist die Hand, der andere das Gehirn. Das „Brain“ gibt an, welche Figur ziehen soll, doch auf welches Feld, bestimmt alleine die „Hand“. So entstehen Züge, die unerwartet sind und nicht nur die Gegner verwirren dürfen.

Eine Kooperation der ZERO foundation mit dem Künstlerverein Malkasten, konzipiert und kuratiert von Barbara Könches (Direktorin ZERO foundation).

Gefördert durch die Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf.

Pressekontakt

Künstlerverein Malkasten
Beate Kolodziej: kommunikation@malkasten.org, 0211-356471
ZERO foundation
Sarah Spörer: sarah.spoerer@zerofoundation.de, 0211-59805977

Gerne können sie Pressematerial (Pressedossier und Bildmaterial) bei uns anfragen. Auf der Website der ZERO foundation findet sich zudem unter dem Menüpunkt “Presse” ein Downloadbereich.

Abb. Christian Megert, Spiegelwand, 1961/2025, Spiegel, Drahtseil, Drahtklemmen, Installationsaufnahme Künstlerverein Malkasten 2025 (Detail) Leihgabe ZERO foundation, Foto: Achim Kukulies